Le VJing
Le VJing peut être défini comme la manipulation des images lors de performances artistiques. Un vidéo-jockey, abrégé sous le sigle VJ, est une personne qui est à l’origine d’une animation visuelle pouvant être diffusée selon plusieurs techniques, ce nom est à mettre en parallèle de celui de disc-jockey, en charge de la diffusion de la musique. Le terme français est “l’imagisme”, art de combiner des éléments visuels provenant de différentes sources, en particulier d’œuvres cinématographiques et de vidéogrammes, en vue de produire une création originale.
I. Introduction au VJing
L’émergence du VJing comme forme d’art visuel remonte aux années 1960 et 1970, lorsque les artistes ont commencé à expérimenter avec la projection d’images en temps réel lors de performances en direct. À l’époque, l’utilisation de projecteurs de diapositives et de films était courante lors de concerts et de spectacles. Dans les années 1980, les premiers VJs ont commencé à explorer des techniques de mixage et de manipulation d’images en utilisant des magnétoscopes, des lecteurs de laser disques et des générateurs de caractères.
“TV Buddha”, Nam June Paik, 1974
Au cours des années 1990, les avancées technologiques ont considérablement influencé l’évolution du VJing. L’introduction des ordinateurs personnels, des logiciels de montage vidéo et des logiciels de VJing a permis aux artistes de manipuler et de combiner des vidéos, des animations et des images en temps réel de manière plus sophistiquée. Depuis les années 2000, le VJing est devenu une forme d’art visuel reconnue à part entière. Des festivals dédiés au VJing et des compétitions internationales ont émergé, mettant en avant les talents et les innovations des VJs du monde entier. Les performances de VJing ont évolué pour inclure des éléments de mapping vidéo, de réalité augmentée et d’interactivité avec le public.
II. L’évolution du VJing au fil du temps
A. Les origines du VJing dans les années 1960 - 1970
John Hales Whitney, Sr., né le 8 avril 1917 à Pasadena en Californie et décédé le 22 septembre 1995 à Los Angeles, est un musicien, un cinéaste expérimental et un pionnier de l’art informatique américain. Il est considéré de nos jours comme le père de la conception d’image assistée par ordinateur.
Dans les années 1960 et 1970, les artistes ont commencé à expérimenter avec la projection d’images en synchronisation avec la musique lors de concerts, de spectacles et d’événements artistiques. Les projecteurs de diapositives et de films étaient utilisés pour créer des effets visuels, des motifs et des atmosphères qui complétaient la musique ou les performances sur scène. En parallèle, les technologies se sont développées grâce aux industries, en particulier celles de la télévision. Les artistes utilisaient des diapositives préparées à l’avance, des films ou des boucles d’images projetées sur des écrans ou des surfaces spéciales. Ils pouvaient manipuler manuellement les diapositives ou les films, en les superposant, en les faisant défiler rapidement, en modifiant les couleurs, en utilisant des effets optiques, et en créant ainsi des effets visuels.
Les pionniers du VJing ont fait preuve de créativité et d’ingéniosité pour explorer de nouvelles technologies et techniques permettant de manipuler et de projeter des images en temps réel. Voici quelques-unes des premières technologies et techniques utilisées par ces pionniers :
Projecteurs de films :
Les artistes utilisaient des projecteurs de diapositives et de films pour projeter des images fixes ou en mouvement sur des écrans ou des surfaces spéciales. Ils pouvaient manipuler manuellement les diapositives ou les films en les superposant, en les faisant défiler rapidement et en jouant avec les effets de transition pour créer des effets visuels saisissants.
Vidéos analogiques :
Les premiers VJs utilisaient des magnétoscopes et des lecteurs de laserdisques pour manipuler des vidéos analogiques en temps réel. Ils pouvaient jouer avec la vitesse de lecture, inverser les images, appliquer des effets de miroir et de rotation, et créer ainsi des compositions visuelles uniques.
Générateurs de caractères :
Dans l’histoire de l’image animée, l’utilisation de texte, de glyphes et de typographie a été explorée par des cinéastes et artistes. On peut citer les pionniers avec les intertitres animés de Mikhaïl Eisenstein (La Grève, 1925), des représentants du mouvement lettriste comme Maurice Lemaître (Le film est déjà commencé ?, 1951), et les fameux génériques de films du graphiste américain Saul Bass (La mort aux trousses d’Alfred Hitchcock, 1959). Les VJs utilisaient des générateurs de caractères, pour ajouter des titres, des textes ou des effets visuels spéciaux aux images projetées. Ils pouvaient créer des motifs abstraits, des transitions de texte et des animations typographiques en utilisant ces dispositifs. Les générateurs de caractères typographiques analogues de la série Chiron sont développés par une des plus anciennes société de générateurs de caractères américaine, Chyron, depuis 1966.
Effets optiques et dispositifs analogiques :
Certains pionniers du VJing ont expérimenté avec des dispositifs optiques et analogiques pour créer des effets visuels spéciaux. Cela inclut l’utilisation de filtres, de lentilles spéciales, de projecteurs de lumière, de miroirs et d’autres dispositifs pour déformer, colorer ou manipuler les images projetées.
Traitement en direct :
Les VJs ont commencé à expérimenter avec le montage en direct en combinant différentes sources d’images en temps réel. Le processeur d’images Sandin est un synthétiseur vidéo, inventé par Dan Sandin et conçu entre 1971 et 1974. Les appareils pouvaient mélanger des vidéos, des films, des diapositives et d’autres sources visuelles pour créer des compositions visuelles dynamiques et fluides, comme avec le synthétiseur vidéo Ruth/Etra.
Le feedback :
Le retour vidéo est le processus qui démarre et se poursuit lorsqu’une caméra vidéo est pointée vers son propre moniteur vidéo de lecture. Dans les années 1960, les premiers exemples de rétroaction vidéo aparaissent avec les feedbacks de la scène artistique psychédélique de New York. Nam June Paik est souvent cité comme le premier artiste vidéo à l’utiliser ; il a exposé des clips de feedback au Greenwich Cafe de New York au milieu des années 1960.
La musique :
Ces premières technologies et techniques ont posé les bases du VJing moderne, en explorant les possibilités de manipulation d’images en temps réel et en créant des effets visuels synchronisés avec la musique ou d’autres performances artistiques en direct. The Exploding Plastic Inevitable, entre 1966 et 1967, sont des soirées organisées par Andy Warhol pour la New York Society for Clinical Psychiatry, qui ont contribué à la fusion de la musique et des images dans un contexte festif.
B. L’essor du VJing dans les années 1980-1990
Dans les années 1980, le VJing a connu un essor significatif en tant que forme d’art visuel, principalement en raison de l’émergence de la culture du clubbing et de la scène rave. Les premiers VJ de MTV sont apparus lorsque la chaîne de télévision de vidéos musicales MTV s’est lancée le 1er août 1981. Elle est rapidement devenue un phénomène culturel et a diffusé des vidéos de musique populaires à toute heure du jour et de la nuit.
La première chaine dédiée à la musique : MTV
Avant la première diffusion, les dirigeants de la chaîne ont décidé qu’ils avaient besoin d’animateurs entre les vidéos pour présenter les chansons, donner des informations sur l’artiste, etc. Les propriétaires de la chaîne, Viacom Media Networks, ont décidé de rechercher des personnes susceptibles de plaire aux téléspectateurs de la nouvelle chaîne. Ils ont finalement choisi les cinq personnes suivantes, issues de milieux différents, pour animer la chaîne.
Ce sont les premiers VJ (VeeJays) ou Video Jockeys de MTV (des “imagistes” en français) : J Jackson, Nina Blackwood, Mark Goodman, Martha Quinn et Alan Hunter.
Dans les années 1990, des collectifs de VJs ont émergé, tels que Emergency Broadcast Network (EBN), Addictive TV et Hex Media / Coldcut. Ces artistes ont contribué à populariser le VJing en dehors de la scène rave, le faisant connaître dans des contextes artistiques plus larges.
La culture du clubbing et de la scène rave a favorisé l’exploration de l’art visuel abstrait et expérimental. Les VJs ont utilisé des techniques de mixage, de superposition, de distorsion et de fragmentation d’images pour créer des compositions visuelles abstraites, psychédéliques et hypnotiques. Ces esthétiques visuelles ont été influencées par les mouvements artistiques tels que l’art optique, l’art cinétique et le surréalisme.
Dans les années 1980 et 1990, les avancées technologiques ont joué un rôle essentiel dans le développement du VJing, en offrant aux artistes de nouveaux équipements et outils pour créer des performances visuelles en direct. Voici quelques-unes des avancées technologiques clés dans les équipements de VJing de cette période :
Magnétoscopes et lecteurs de laserdisques :
Les magnétoscopes et les lecteurs de laserdisques ont été largement utilisés par les VJs dans les années 1980. Ces dispositifs permettaient de lire des vidéos préenregistrées et de les manipuler en temps réel lors des performances. Les VJs pouvaient utiliser des commandes de vitesse, de pause, de retour arrière et d’avance rapide pour créer des effets visuels dynamiques et synchronisés avec la musique.
Le laserdique est un support vidéo HD de 1978
Générateurs de caractères :
L’utilisation du texte dans les performances audiovisuelles continue d’être explorée, de nombreux logiciels de mixage d’images offrent la possibilité d’afficher et de manipuler du texte. En superposant des phrases à des images vidéo, un effet de titrage rappelant le cinéma peut être obtenu. Dans une voie plus minimale et graphique, en influant sur des paramètres comme la taille, la couleur, la fonte et le positionnement dans un espace tri-dimensionnel, on peut concevoir des performances cinétiques entièrement composées d’éléments typographiques. On peut ainsi distinguer l’utilisation du texte comme matière première graphique et plastique, de l’utilisation de mots et de phrases pour le sens qu’ils véhiculent en tant que tel par une approche typographique. Une autre distinction peut être faite entre l’usage de textes préalablement écrits et la saisie de textes live, à l’image du projet “Demolecularisation” du collectif ProjectSinge.
Mélangeurs vidéo et commutateurs :
Les mélangeurs vidéo et les commutateurs étaient des équipements utilisés pour mixer et combiner différentes sources vidéo en temps réel. Ils permettaient aux VJs de superposer des images, de créer des transitions fluides entre les sources et de contrôler les effets visuels en direct. Ces dispositifs offraient aux VJs un niveau de contrôle supplémentaire sur les compositions visuelles.
Ordinateurs personnels et logiciels de montage vidéo :
Dans les années 1990, l’arrivée des ordinateurs personnels a révolutionné le domaine du VJing. Les VJs ont commencé à utiliser des logiciels de montage vidéo spécialisés pour créer, manipuler et mixer des vidéos en temps réel. Ces logiciels offraient des fonctionnalités avancées telles que le traitement des effets visuels, la synchronisation avec la musique et la possibilité de créer des boucles et des transitions fluides.
Contrôleurs MIDI et interfaces personnalisées :
Les VJs ont également adopté des contrôleurs MIDI et des interfaces personnalisées pour interagir avec les logiciels de VJing. Ces dispositifs permettaient aux VJs de contrôler les paramètres visuels, les transitions et les effets en utilisant des boutons, des faders et des pads, offrant ainsi un contrôle plus précis et intuitif sur les performances visuelles en direct. Un des premiers logiciels de VJing est VuJak, à partir de 1992.
Ces avancées technologiques ont considérablement élargi les possibilités créatives des VJs dans les années 1980 et 1990. Les équipements de VJing de cette époque ont permis aux artistes de manipuler, mixer et synchroniser des vidéos en temps réel, ouvrant ainsi la voie à des performances visuelles plus dynamiques, immersives et interactives.
Rave Safe from vjMandala on Vimeo.
II. Les développements récents et les tendances actuelles du VJing
A. Les voies d’exploration
Le VJing continue de se développer et d’évoluer avec les avancées technologiques et les tendances actuelles. Des artistes explorent de plus en plus les possibilités offertes par la réalité virtuelle (VR) et la réalité augmentée (AR). Ils utilisent des casques de VR et des applications spéciales pour créer des environnements visuels immersifs en 3D, où les spectateurs peuvent interagir avec les images projetées. L’AR est également utilisée pour superposer des éléments visuels virtuels sur des scènes réelles lors de performances en direct, comme avec l’expérience “The Island”.
Les VJs utilisent des contrôleurs et des interfaces de plus en plus sophistiqués pour interagir avec les logiciels de VJing. Ces dispositifs offrent des fonctionnalités étendues, des options de contrôle tactile et une intégration avec d’autres technologies telles que les capteurs de mouvement et les contrôleurs DMX pour les éclairages.
Les VJs sont souvent invités à collaborer avec des musiciens, des DJ, des éclairagistes, des décorateurs, des scénographes lors de concerts et de festivals. Ils créent des compositions visuelles en direct qui sont synchronisées avec la musique et les structures de scène. Les VJs utilisent des techniques de cartographie (mapping), de mixage, de superposition, de manipulation d’images et d’effets visuels pour créer des atmosphères visuelles uniques qui renforcent l’expérience musicale. Le VJing est également intégré dans des spectacles de danse et de théâtre contemporains. Les VJs travaillent en étroite collaboration avec les chorégraphes et les metteurs en scène pour créer des scénographies visuelles qui complètent et amplifient les mouvements des danseurs ou les dialogues des acteurs. Les projections vidéo, les effets visuels et la cartographie vidéo sont utilisés pour transformer l’espace scénique et créer des ambiances visuelles dynamiques.
Les artistes VJs créent des installations vidéo interactives et immersives, utilisant des techniques telles que la réalité virtuelle, la réalité augmentée, la cartographie vidéo et l’intelligence artificielle. Ils explorent des concepts artistiques, des thèmes sociaux et des expériences sensorielles à travers leurs compositions visuelles en direct. Les VJs sont souvent présents lors d’événements culturels et de festivals, où ils projettent des visuels sur de grandes surfaces, créant un des moments marquants, émouvants et significatifs pour les spéctateurs.
Les performances audiovisuelles, très présentes dans l’art numérique, sont des collaborations entre VJs, musiciens et toute forme d’artistes multimédias. Ces performances combinent des éléments visuels en direct, des compositions sonores et des interactions avec le public. Les VJs utilisent des contrôleurs avancés, des capteurs divers et des technologies génératives pour créer des expériences artistiques multimédias qui fusionnent musique, images et mouvement. Il y a eu l’émergence d’une scène de live-coding, issu des demo-party, où les VJ écrivent et montrent en direct le code qui génère leur visuels. À Paris, les soirées de la Cookie Collective sont souvent sur ce thème.
Dans l’ensemble, le VJing s’est intégré de manière significative dans les performances musicales et artistiques contemporaines, enrichissant l’expérience du public en apportant des éléments visuels interactifs, immersifs et synchronisés avec d’autres formes d’expression artistique. Cette intégration favorise une approche plus holistique, synesthésique, transmedia, de la création artistique, où les frontières entre la musique, la danse, le théâtre et les arts visuels se brouillent, permettant ainsi des expériences sensorielles plus riches et multidimensionnelles.
B . Le logiciel et le matériel
L’utilisation de logiciels et d’outils numériques avancés est devenue essentielle dans le domaine du VJing, offrant aux artistes une palette d’options créatives et des possibilités d’expression visuelle étendues. Les logiciels de VJing sont des applications spécialement conçues pour la création et la manipulation d’images en direct. Ils offrent des fonctionnalités telles que la synchronisation audiovisuelle, les effets visuels, les transitions, les boucles et la gestion de plusieurs sources vidéo. Certains exemples populaires de logiciels de VJing incluent Resolume, VDMX, Modul8, ArKaos GrandVJ et TouchDesigner.
Les VJs utilisent également des logiciels de création et de montage vidéo pour préparer et éditer le contenu visuel avant de le manipuler en direct. Ces logiciels permettent de créer des compositions visuelles complexes, de retoucher les vidéos, d’ajouter des effets spéciaux et de créer des boucles. Adobe After Effects, Adobe Premiere Pro, Final Cut Pro et Blender sont des exemples courants de logiciels utilisés dans ce domaine.
”Phonofolium et Lux”, Scenocosme, arbre controleur de lumière.
Les VJs utilisent des contrôleurs MIDI, des contrôleurs DMX et des interfaces personnalisées pour interagir avec les logiciels. Ces dispositifs permettent de contrôler les paramètres visuels, les transitions, les effets et les sources vidéo en temps réel. Ils offrent un contrôle plus précis et une expérience plus immersive lors des performances. Certains exemples de contrôleurs populaires sont le Novation Launchpad, le Akai APC40 et le Livid Instruments OhmRGB.
Les VJs explorent de plus en plus l’utilisation de capteurs de mouvement pour interagir avec les images visuelles en direct. Les capteurs de mouvement tels que les caméras Kinect, les capteurs Leap Motion ou les gants de données permettent aux VJs de contrôler les effets visuels, les transitions et les paramètres en utilisant les mouvements de leur corps.
L’utilisation de logiciels et d’outils numériques avancés permet aux VJs de créer des performances visuelles hautement personnalisées, interactives et immersives. Ces technologies offrent aux artistes un contrôle précis sur les visuels en direct, permettant une exploration créative sans limite et une adaptation aux besoins spécifiques de chaque performance.
VI. L’impact culturel et artistique du VJing
Le VJing a eu un impact culturel et artistique important en transformant l’expérience visuelle lors de performances en direct. Il a ouvert de nouvelles possibilités d’expression artistique, renforcé le dialogue entre les arts visuels et la musique, stimulé l’innovation technologique, et créé des expériences immersives et participatives pour le public. Le VJing continue d’évoluer en repoussant les limites créatives et en explorant de nouvelles intersections entre l’art et la technologie.
A. Expression artistique et narration visuelle
Le VJing est non seulement un moyen d’expression artistique, mais aussi une forme de narration visuelle puissante. En utilisant des visuels en direct, des effets visuels et des techniques de composition, les VJs peuvent raconter des histoires, créer des atmosphères et transmettre des émotions d’une manière unique. Les VJs peuvent utiliser une combinaison d’images, de vidéos, de couleurs, de textures et d’effets visuels pour créer des ambiances visuelles qui soutiennent et renforcent l’atmosphère d’une performance. Que ce soit pour un concert, une pièce de théâtre ou une exposition artistique, les VJs peuvent ajuster les visuels en direct pour créer des atmosphères sombres et intenses, des environnements futuristes et technologiques, ou des paysages oniriques et poétiques.
Le VJing permet aux artistes d’explorer des thèmes, des idées et des concepts visuels. Les VJs peuvent créer des compositions qui représentent des notions abstraites, des symboles culturels, des questions sociales ou des préoccupations environnementales. En utilisant des visuels évocateurs et des métaphores visuelles, le VJing devient un moyen de communication visuelle qui transcende les mots et parle directement à l’imaginaire et aux émotions du public.
L’un des aspects les plus puissants du VJing est sa capacité à raconter des histoires visuelles en synchronisant les visuels avec la musique, la danse ou le théâtre. Les VJs peuvent créer des séquences visuelles qui suivent un arc narratif, en utilisant des transitions, des superpositions et des effets visuels pour guider le public à travers une expérience visuelle cohérente et captivante. Cela permet de créer des performances où les visuels et les autres éléments artistiques se complètent et se renforcent mutuellement. Le VJing encourage également l’expérimentation et l’improvisation artistique. Les VJs peuvent utiliser des techniques de mixage en direct, de superposition d’images, de fragmentation visuelle et d’effets visuels pour créer des compositions uniques à chaque performance. Cela permet une expression artistique spontanée et en temps réel, où les visuels évoluent et se transforment en réponse aux autres éléments de la performance.
En utilisant des technologies interactives, des capteurs de mouvement ou des applications mobiles, les VJs peuvent permettre au public de participer activement à la création visuelle. Cela crée une expérience immersive et engageante, où le public devient un élément essentiel de l’expression artistique et de la narration visuelle.
En somme, le VJing est un moyen d’expression artistique et de narration visuelle qui permet aux artistes de créer des ambiances visuelles, d’explorer des thèmes et des concepts, de raconter des histoires, d’expérimenter et de créer.
B. La culture de la musique électronique et des festivals
Les performances de VJing ont mis en avant l’idée que la musique et les visuels peuvent être considérés comme des formes d’expression artistique complémentaires. Cette fusion a conduit à une exploration plus poussée des interactions entre les éléments visuels et sonores, créant de nouvelles possibilités d’expression artistique. Les festivals ont intégré des performances de VJing en tant qu’éléments essentiels de leurs programmations, offrant ainsi une expérience visuelle immersive aux festivaliers. Les scènes de festivals ont été équipées de grandes installations visuelles, d’écrans ou de bandes LED et de projections vidéo, créant des environnements visuellement époustouflants par la création de scénographies spécifiques pour un mapping.
Le VJing a influencé la culture de la musique électronique et des festivals en améliorant l’expérience visuelle, en fusionnant la musique et l’art visuel, en créant une identité visuelle pour les artistes, en évoluant avec les festivals de musique et en explorant de nouvelles technologies. Le VJing a contribué à la création d’une identité visuelle distinctive pour les artistes de musique électronique. Les VJs travaillent souvent en étroite collaboration avec les artistes et les DJs pour créer des visuels qui représentent leur esthétique musicale. Cela permet de renforcer la marque et l’image des artistes, tout en offrant une expérience visuelle cohérente lors de leurs performances en direct.
C. Les collaborations entre VJs et musiciens renommés
Willie Williams :
Willie Williams est un VJ britannique qui a travaillé en étroite collaboration avec le groupe de rock U2 depuis les années 1980. Il a créé des visuels en direct pour les tournées mondiales du groupe, apportant une dimension visuelle spectaculaire à leurs performances. Les collaborations entre U2 et Willie Williams ont été saluées pour leur innovation et leur utilisation créative de la technologie.
”Vigil”, à Cantebury, 2006, Willie Williams
Andrew Huang :
Andrew Huang est un VJ et réalisateur canadien qui a collaboré avec la célèbre chanteuse Björk. Ils ont travaillé ensemble sur plusieurs projets visuels, notamment le clip de la chanson “Mutual Core”. Leur collaboration a permis de créer des visuels expérimentaux et captivants qui complètent et amplifient la musique unique de Björk.
LeRoy Bennett :
LeRoy Bennett est un concepteur visuel et éclairagiste qui a travaillé avec le duo de musique électronique Daft Punk lors de leurs tournées mondiales. Il a créé des visuels spectaculaires et des jeux de lumières complexes qui ont fait partie intégrante des performances emblématiques de Daft Punk. Leur collaboration a permis de créer des expériences visuelles immersives et futuristes.
”Tension Show”, Daft Punk
Andi Watson :
Andi Watson est un VJ et concepteur d’éclairage britannique qui a collaboré avec le groupe de rock alternatif Radiohead. Il a créé des visuels en direct et des effets lumineux pour leurs tournées mondiales, apportant une atmosphère visuelle unique à leurs performances. Leur collaboration a été saluée pour son utilisation innovante de la technologie et sa capacité à créer des ambiances visuelles évocatrices.
UVA :
Le collectif United Visual Artists (UVA) a collaboré avec le groupe de trip-hop britannique Massive Attack lors de leurs tournées et de leurs performances live. UVA a créé des installations visuelles avec des LED, des projections vidéo et des jeux de lumière complexes qui ont enrichi les performances de Massive Attack, créant une expérience multisensorielle pour le public. Le contenu est souvent politiquement chargé, d’actualité, incitant à la réflexion et doté d’une forte conscience sociale, parfois multilingue et spécifique à un lieu. Au cours des différentes tournées, les sujets abordés ont été variés : neutralité du réseau, censure, confidentialité des données, avidité des entreprises, violation des droits de l’homme et politique de guerre.
photo de James Medcraft and John Adrien
Weirdcore :
Derrière les écrans LED, Weirdcore cache son identité au grand public : il est l’artiste visuel derrière Aphex Twin. Il pixellise ses propres discours, son travail n’apparaissant qu’à travers des clips YouTube filmés par des fans et un bref synopsis sur son site weirdcore.tv. “Je me demande ce que les jeunes pensent d’Aphex Twin maintenant”, demande Weirdcore. “Est-il très populaire auprès des enfants ? Dans les festivals, tous les enfants qui venaient à ses concerts étaient probablement nés à l’époque où ‘Windowlicker’ est sorti - qu’est-ce qu’ils en pensent ? Je n’arrive pas à comprendre, mais pour moi, c’est intéressant de voir comment le public change, parce que le spectacle évolue en fonction de la foule et des individus.” Tout au long des années 90 et au milieu des années 2000, Weirdcore a fait le tour des salles et des squats londoniens, jonglant entre les concerts à l’ICA et au Heaven avec des “trucs cochons dans des sous-sols sombres” qui brouillaient les pistes de la légalité. “Si j’ai réussi à faire un concert dans une fête de squat, alors je peux réussir à faire un concert n’importe où”, dit-il, presque avec trop de désinvolture. Alors qu’il étudiait la communication des médias à l’université de Leeds et qu’il vivait dans l’institution Orbit de la ville pendant les années 90, Weirdcore s’est forgé une conviction qui continue d’inspirer son travail.
Smith & Lyall :
Depuis environ 25 ans, Adam Smith et Marcus Lyall sont les maîtres d’œuvre créatifs de l’impressionnant spectacle en direct des Chemical Brothers. Un élément central de la production en direct est le mur vidéo massif qui disparaît, sur lequel des personnages sont créés au nom du groupe. La vidéo et l’éclairage créent une expérience intense. Le contenu du spectacle devient encore plus dynamique grâce à cinq structures mobiles situées derrière l’écran vidéo. Découvrez l’univers créatif d’Adam Smith et de Marcus Lyall, ainsi que les défis quotidiens du directeur de l’éclairage Jean-Christophe Aubrée ou de l’ingénieur du son de FoH Shan Hira.
V. Conclusion
Le VJing est une forme d’art visuel qui consiste à mixer et projeter en direct des visuels lors de performances musicales et artistiques. Il a émergé dans les années 1980, en utilisant initialement des équipements analogiques tels que les vidéoprojecteurs et les mélangeurs vidéo. Les pionniers ont expérimenté avec le feedback vidéo, les effets analogiques et la superposition d’images. Il a connu un essor important grâce à la culture du clubbing et de la scène rave, développant les visuels synchronisés avec la musique.
Le VJing s’intègre de plus en plus aux performances musicales et artistiques contemporaines, apportant une dimension visuelle et narrative qui enrichit l’expérience globale du public. L’utilisation de logiciels et d’outils numériques dans le VJing offre aux artistes une flexibilité créative et une capacité d’expérimentation plus grande, leur permettant de créer des compositions uniques en temps réel. Le VJing a eu un impact culturel et artistique significatif en transformant l’expérience des spectateurs, en créant des ambiances visuelles uniques et en contribuant à l’évolution des festivals de musique et de la culture de la musique électronique.
Le VJing peut être utilisé comme un moyen d’exprimer des idées et de susciter des réflexions sur des questions sociales et politiques. Les VJs pourraient aborder des sujets tels que l’environnement (comme Joanie Lemercier), l’égalité, les droits de l’homme et bien d’autres, en utilisant les visuels comme un outil de sensibilisation et de mobilisation.
Ces perspectives et possibilités futures du VJing ouvrent un vaste champ d’exploration pour les artistes, les technologues et les spectateurs. Le VJing continuera d’évoluer avec les avancées technologiques, le public et les tendances artistiques.
